Colloques

Théâtre, art, école et société
Colloque à la Friche Belle de Mai - Marseille

Le GRETE existe depuis 1985 et œuvre dans le milieu scolaire mais aussi sur tous les terrains du théâtre.
Le GRETE :
- Assure un rôle d'information, d'échanges de réflexion et de critique.
- Sensibilise à la création contemporaine.
- Interroge théâtre et société.
- Ouvre des espaces de parole :
- En direction des enseignants, proposer un espace pour échanger sur leur pratique, sur la politique en direction des spectacles, le travail en partenariat.
- En direction des intervenants. La commission des artistes intervenants travaille depuis deux ans sur le partage d'objectifs, de pratiques, de repères, sur leur malaise vis à vis des institutions, vis à vis des structures nationales ou régionales, sur la demande de l'Education Nationale et sur la relation aux théâtres et à la DRAC.
Nous avons organisé plusieurs rencontres où il était question de la relation entre enseignants et artistes
Le GRETE a déjà travaillé "sur l'apport spécifique de l'artiste", ce ne sera donc pas l'enjeu principal de ce colloque. Notre proposition est de réaffirmer la nécessité de l'art et du théâtre à l'école.
Nous ne traiterons donc pas ce qui est en dehors de l'école, même si le théâtre aujourd'hui a envahi les anciens lieux de la " militance ": les banlieues, les prisons, les hôpitaux. Nous resterons dans le cadre des dispositifs existants à l'école, le partenariat de l’Éducation Nationale (options ateliers, classes culturelles).
Les partenariats avec Jeunesse et Sports, les collectivités, la politique de site, les plans locaux, l'aménagement des rythmes de l'enfant, les actions Zep et autres dispositifs inter-ministériels...
Les trois Ministère concernés par l'éducation artistique et culturelle sont : la Culture, Jeunesse et Sports, L’Éducation Nationale.
Pourquoi cette rencontre aujourd'hui ?
Pour réfléchir ensemble sur le dossier éducation artistique et culturelle qui est devenu un dossier incontournable en politique : Le 9 Avril 1998 a eu lieu la conférence de presse entre Claude Allègre et Catherine Trautmann sur les partenariats de l’Éducation Nationale et la Culture elle a privilégié non pas le théâtre mais la musique.
Aujourd'hui nous sommes à un carrefour dans l’Éducation Nationale. L'expérimentation du théâtre a fait ses preuves depuis 1983 (date du premier protocole d'accord), même si les réussites dépendent des affinités entre individus artistes et enseignants, le partenariat est un acquis dans les établissements du secondaire et peu dans le primaire. En 1990 les textes indiquent que l'intervenant fait partie de l'équipe pédagogique.
Il y a un engagement des ministres pour l'artiste et le partenariat mais pas de débat sur l'enseignement de matières artistiques. l'acteur n'est - il pas lui même un médiateur d'un texte ? Nous connaissons aussi les limites. Combien sont-ils les artistes, conscients de leur appartenance à la cité et dont les créations sont en prise avec le monde qui interviennent à l'école pour de nobles causes ?
Développons qualitativement ce qui se fait déjà.
L'artiste a la double conviction qu'il est essentiel et urgent de renouer avec la cité et que le théâtre a quelque chose à voir avec la démocratie, mais les artistes sont nombreux aujourd'hui et expérimentés pour apporter leur collaboration à une généralisation sans que l'artiste engagé ne devienne artiste employé, fonction occupée par l'enseignant formé par la relation publique, fonction nécessaire avec le créateur ou négociateur pour éviter une guerre entre deux partis ; Déjà le comédien est médiateur dans le spectacle.
L'objet de la médiation : artiste ou œuvre ? Faut - il vraiment créer une profession quand depuis toujours ce rôle a pris d'autres noms à d'autres époques, l'animateur culturel par exemple, l'éducateur, aujourd'hui les emplois jeunes et voire même des titulaires du B.A.S.E. pour occuper les enfants sans formation préalable. Bien sûr le ministre de la Culture décide cette politique vis à vis des compagnies et nombreuses seront celles détachées du financement (ligne de création) qui, sur le terrain seront reconnues pour leurs actions scolaires mais est-ce bien d'avoir deux vitesses comme certains intervenants de la commission le disaient " nous sommes les petits fantassins terrassés avec la crise ".
La "culture artistique" mise en place dans le cadre des options, des ateliers, repose sur trois postures à expérimenter avec l'artiste et l'enseignant :
- Initier à la pratique de l'artiste qui crée, pose des questions sur le monde et réfléchit aux enjeux de ce faire.
- Attitude critique en développant des outils pour analyser.
- Tel un historien d'art replace ce contexte culturel dans l'histoire de l'humanité.
Ce cadre là ne touche que 3% des élèves, soit 30 000 qui font du théâtre en France, 646 établissements sur 2364 lycées, 67% des lycéens réclament tout à l'école. Il faut rajouter tous les autres dispositifs ; PAE, projets culturels, parcours diversifiés, aménagement du temps de l'enfant où le théâtre est davantage " instrumentalisé" c'est à dire répond à d'autres objectifs prioritaires et pédagogiques, comme les apprentissages fondamentaux, la socialisation...
Dans cette première phase les institutions ont reconnu ce qui se faisait d'où une géographie déséquilibrée, elles ont soutenu les militants expérimentés tant dans l'éducation que dans le théâtre, qui ont ouvert ces champs.
Des choix sont à faire qui dépendent aussi de l'idée de l'homme que l'on projette dans le futur. Ce sera l'enjeu de cette rencontre d'autant qu'au gouvernement on ne débat guère sur l'enseignement des matières artistiques.
Un long chemin a été parcouru depuis 1936 avec l'éducation populaire et la loi du Partenariat en 1988 qui récapitule principes et objectifs fondamentaux de ce que devrait être une éducation artistique, associant pratique et réflexion, sans en prévoir le budget...
Aujourd'hui la crise de la société, de l'école et du théâtre, la montée des intégrismes nous posent de nombreuses questions. On s'ennuie à l'école mais au théâtre aussi, tous deux sont séparés de la cité. Des ambiguïtés demeurent : Les artistes réclament davantage de précisions sur la demande publique, on leur reproche encore de sacrifier leur art aux préoccupations pédagogiques et sociales et l'on fait d'eux des pompiers pour éteindre les incendies...
L'artiste doit-il pacifier les esprits ou les éveiller ?
Doit-il panser les plaies, quand de toute façon les remèdes sont politiques et économiques ?
La relation de l'école au théâtre reste ambiguë et passionnelle. Le théâtre a des retombées cognitives, sensorielles, relationnelles, sociales et culturelles mais on attend tout de lui ; des réparations individuelles...
Les conseillères d'orientation dirigent l'élève timide, renfermé, qui a des problèmes de comportement, vers l'option théâtre, hélas
Le théâtre est là pour apprendre de manière vivante, pour lutter contre l'illettrisme, l'échec scolaire, contre la perte des valeurs, le théâtre peut rétablir le lien social, le sens.
Le théâtre vitrine de l'établissement mais aussi sorcière, bouc émissaire rendu responsable de tous les maux ; exemple au lycée Artaud lors de la grève, les élèves de théâtre étaient à la tête du mouvement, on leur a demandé des comptes sur les déclarations alors qu'ils manifestaient leurs responsabilités de citoyen...
Apprendre à jouer c'est mettre en jeu son imaginaire et c'est aussi apprendre le vide, apprendre à perdre. Le théâtre implique le corps, un corps qui porte le psychisme et la création artistique domine le dit et l'intellect.

Communication:
• Jean Caune nous parle de "l'éducation à l'art, l'éducation par l'art à l'école". Pour Julia Kristeva parle d'un acte de révolte et l'école peut - elle accepter cela ? Elle attend du théâtre un outil, des techniques d'apprentissage, de socialisation voire d'expression et de culture.
"La pédagogie compte sur les perceptions, quand elle craint d'échouer dans la transmission des connaissances" dit Emmanuel Wallon. L'école est attirée mais a peur du théâtre, cet art à la croisée de l'intime du social et du politique.
Nous avons au GRETE depuis plusieurs années tenté une ouverture en direction des autres arts à partir d'un spectacle de théâtre par essence pluridisciplinaire, proposé des ateliers avec d'autres artistes.
• "Le théâtre est-il nécessaire ? A quels besoins répond-t-il ?" comme le dit Denis Guénoun; activité de faire et de voir indissociables et simultanés. On connait très bien le besoin de hommes de jouer. même si les choses ont changé depuis Aristote, les tendances des hommes à représenter et à trouver du plaisir aux représentations sont toujours là.
"Le théâtre, c'est produire du visible à partir des mots" et son oscillation entre deux pôles extrêmes auxquels il ne peut se réduire entre le théâtre littéraire et le théâtre réduit au visuel : idéologie du corporel sans écrit fondateur, le spectacle risque de s'anéantir et explique bien que le choix de l'école reste le premier pôle.
A quels besoins répond-t-il quand l'identification et l'illusion sont dépassées et que le cinéma a confisqué l'imaginaire du collectif; plus de héros, il ne reste que le jeu sur scène. Les acteurs montrent d'abord qu'ils jouent au théâtre, ils exposent la nudité de leur jeu, présence scénique, exhibition du corps soumis au regard et à l'écoute. Cet être là sur scène exposé, témoigne du "proprement de la vie de toute vie" comme le dit Denis Guénoun.
La demande de théâtre ne cesse de s'accroître tandis que les spectateurs désaffectionnent la salle. Peut être que l'artiste intervenant à l'école aidera t-il à la transformation du théâtre dans la société?
Doit on généraliser l'éducation artistique et culturelle ? Quels choix et par qui ? Sans oublier que ce qui réussit avec des enseignants et des artistes militants n'est pas généralisable. Reconnaît-on l'importance de l'art et de la culture ou s'agit-il de rentabiliser des politiques artistiques ? L'école aujourd'hui doit passer d'une école en quête de certitude à une école qui doit apprendre à gérer l'incertitude, le pluralisme. Il ne s'agit pas de faire un travailleur et un citoyen. On n'éduque pas pour endurcir, pour la société mais pour l'humanité, faire un homme capable de communier avec les oeuvres et les personnes humaines au sein d'une culture, ça ne se donne pas comme ça.
Il faut faire des choix et donc clarifier les finalités car il s'agit bien derrière cela d'une conception de l'homme à mettre en œuvre surtout alors que les idéologies disparaissent. Derrières ces choix éducatifs artistiques et culturels, il y a une représentation de l'homme, un modèle que l'on projette ; nous ne naissons pas homme; je suis un homme de par ma volonté de l''être, contrainte pour atteindre une liberté.
Après le marxisme, le libéralisme, quel choix d'homme ? Le "libéralisme" est en question : Devons nous devenir les gentils animateurs, rechercher le ludique à outrance pour développer l'épanouissement ?
La culture, l'art peuvent questionner, rendre malheureux, solitaire, déchirer, cela peut tout, sauf rendre épanoui de ce bonheur obligatoire. Est-ce le droit au difficile que l'on veut retirer à la jeunesse ? Pourquoi ne pas vanter la rudesse de l'étude, l'ennui, le silence, l'épreuve, l'engagement, le renoncement aux facilités de l'existence adolescente.
Le libéralisme est-il un modèle de l'homme ? Faut il privilégier les oeuvres ou les artistes ?
Apprendre à consommer ce qui est désigné par un groupe comme culture ou art pour justifier les efforts de la dépense artistique toujours publique. Faut il rapprocher les citoyens de l'art ? La confrontation à l'œuvre d'art n'est pas toujours indolore, épreuve initiatique devenu trop rarement possible car les spectacles deviennent des produits culturels. Quelle œuvre transmettre ? patrimoine ?
Favoriser la création contemporaine ou "instrumentaliser" ? "Faire de la sortie de théâtre un prétexte à leçon"...
Démocratisation culturelle ou démocratie ? La démocratisation culturelle est soupçonnée de favoriser une distinction, d'être un facteur de promotion sociale, avec la rencontre les artistes c'est aussi une revalorisation, un outil de reproduction des élites. L'idéale démocratique ne vise-t-il pas le perfectionnement, le partage de la culture et de l'art ? Que choisir ?
Différentes démarches sont possibles :
- Un enseignement artistique avec des disciplines.
- Une éducation culturelle dans toutes les disciplines avec transmission de savoir et interprétation à la communauté.
- Une éducation artistique par le partage d'expériences et d'activités, enrichissement ou pratique amateur. Rappelons que la culture est le fondement d'une identité culturelle tandis que l'art, domaine du singulier est occasion d'humanité par la rencontre avec l'altérité- un va et vient entre chaos et structure, dépense et concentration, mise en question, désir de dire le visible, de le comprendre, de rencontrer les autres générations dans leurs réponses spécifiques.
Antonio Gramsci déjà en 1930 rappelait : "l'art est éducateur en tant qu'art mais non en tant qu'art éducateur parce que dans ce cas il n'est rien et que le néant ne peut éduquer."

L’apport spécifique de l’artiste
Colloque en 1998 au Théâtre de La Minoterie - Marseille

Introduction.
Cette année, notre thème de réflexion interroge les pratiques des artistes et des enseignants vis à vis du théâtre et sur le versant d’une transmission possible ou impossible.
Cette année nous réaffirmons notre engagement vis à vis de l’artiste dont la présence à l’école est irremplaçable.
Pourquoi le terme “artiste” ?
Nous vous épargnons nos débats sur la fascination dont parle Brecht nous avons évoqué comme titres d’abord “praticiens et pédagogues de l’art”, artistes/enseignants pédagogues ou art et pédagogie/ pédagogie et art.
Mais le contexte actuel nous a fait préféré “l’artiste et l’apport spécifique de l’artiste dans les pratiques culturelles et artistiques et les pédagogies de l’art” ; artiste au sens du cahier des charges Education Nationale - Culture mais aussi celui qui connaît l’ensemble des règles d’un métier artisanal qu’il a choisi. Un artisan quoi.
En effet les municipalités et en particulier Marseille confie à l’animateur, au moniteur de colonies, des activités de l’après midi dans le cadre “de la réforme des rythmes scolaire” sans envisager de développer la relation directe aux artistes que nous avons expérimentée depuis plus de 15 ans et que nous voulons voir s'étendre dans ce nouveau contexte.
Nous aimerions à la suite de nos débats pouvoir remettre un document montrant que l’apport de l’artiste est irremplaçable dans les pratiques en milieu scolaire. En quoi et pourquoi ?
Et qu’est-ce que ça apporte à l’artiste ? L’artiste doit-il, peut-il être pédagogue en quoi ces interventions interrogent-elles le théâtre et l’école ?
- Nous n’avons pas choisi d’inviter les élèves à nos débats
- Nous ne rappellerons pas les cas où interviennent les artistes ni les définitions de classe culturelle, PAE, atelier, option puisque l’on se concentrera sur la démarche de l’artiste dans l’école, tant du côté de la pratique de spectateur que d’acteur.
- Nous n’aborderons pas le fonctionnement du couple partenariat enseignant-artiste que nous avons déjà analysé.
- Nous ne rappelons pas les bienfaits du théâtre dans l’expérience artistique “du faire et du voir” qui met au centre le sujet, le corps, l’inconscient, l’appropriation du sujet et du monde, l’élaboration symbolique et l’accession au langage, sans oublier le rapport à l’autre ou au groupe, à la responsabilité et l’engagement de l’élève citoyen.
Enfin nous questionnerons la notion de pédagogie de l’art au sens grec de conduire l’enfant, vers le théâtre avec l’artiste, comment partager l’expérience artistique : y a-t-il initiation de l’élève par le maître, dévoilement, voire même révélation ou peut-on parler de transmission, y en a-t-il une, des pédagogies du théâtre ?
Nous réaffirmons qu’il s’agit d’abord d’une expérience vécue, d’itinéraires individuels irréductibles.
Il faut, comme le recommande Hélène Mathieu “que l’on sache que l’art existe et donc il faut permettre la rencontre, le choc esthétique, l’amour, sans souci pédagogique.
La pédagogie et le travail viendront après”.
Mais il y a parfois problèmes entre les exigences universelles de l’éducation et les expériences singulières de l’art et entre “perdre son temps”, avoir une démarche empirique qui valorise tâtonnement, reprise, abandon et où les échecs participent de la maturation, de l’exigence artistique. L’Éducation Nationale demande des preuves de compétence, de rentabiliser le temps, d’aboutir à des acquis de savoir faire, de savoir être.
Éducation et art impliquent tous deux éthique, rigueur, sens critique et peuvent-ils se concevoir, sans se référer à l’histoire et à l’évolution des champs artistiques ?
Trop peu d’artistes s’engagent dans ces pratiques en partenariat. Les plus convaincus défendent l’engagement social de l’artiste et le rapport au public et à la cité.
D’autres ont la crainte de perdre la spécificité de leur pratique professionnelle dans les interventions à l’école. Leur démarche artistique se nourrit du vide, des failles, des blocages, des limites de la singularité de la personne, elle met au centre engagement et parfois souffrance, elle confronte chacun à ce qui est unique et incommunicable. Démarche pensent -ils problématique dans l’école qui recherche davantage le ludique, le développement des potentialités du groupe et d’un sujet participatif, en communication avec les autres.
Peut-être que nos invités nous aideront à sortir de notre obscurité.
Trois moments :
-Dans un premier temps Art et pédagogie : les contraintes artistiques avec les témoignages d’artistes
Sont ici présents : Hubert Colas auteur metteur en scène et Françoise Chatôt comédienne metteur en scène qui malgré leurs contraintes l’un les répétions de sa création l’autre une manifestation sur la tragédie sont là.
Questions de la salle.
- Témoignage et questionnement : sur le sujet les passeur de l’art - l’art des passeur - artisans de l’art par Dominique Duguy danseur chorégraphe - pédagogue - chercheur au Mas de la danse, centre d’études et de recherche en danse contemporaine.
Débat questions :
Pédagogie et art des praticiens metteurs en scène :
• “partage de l’expérience artistique, démocratisation d’une contradiction”
• D.Bré responsables de formation au théâtre à l’université et au conservatoire
• et J.P. Raffaelli fera la synthèse renverra la balle,
• et J.C Lallias “l’artiste pédagogue” chargé de la formation des maîtres à l’IUFM d’Ivry Gargan et membre de la Coseat, chargée du suivi des enseignants artistiques et impulseur de l’ANRAT.

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Théâtre et musique/La musique au théâtre
Colloque du 4 juin 1994 - Cité de la Musique

Le GRETE propose chaque année un questionnement du théâtre dans ses rapports avec les autres arts. Après “La crise de la représentation”, “Le théâtre par les yeux du langage”, nous nous préoccupons de la place de la musique au théâtre.
Longtemps en étroite symbiose, théâtre et musique, deux esthétiques de la gestion du temps, séparées avec l’apparition de l’opéra semblent de nouveau se rapprocher, le théâtre nous paraît aujourd’hui redécouvrir la musicalité.
Les années 1970 qui rêvaient d’un théâtre total mêlaient acteurs et musiciens sur scène. Où en sommes-nous aujourd’hui ?
Du théâtre qui se suffit à lui-même au théâtre musical où s’interpénètrent musicalité du temps dramatique et théâtralité du jeu musical, toutes les possibilités existent :
- musique instrumentale, vocale et son rapport au texte : Fusion,superposition, juxtaposition ?
- musique de fond, d’encadrement ?
- musique ponctuation oucontrepoint du texte?
- musique qui ne comunique pas du sens mais qui agit sur les sens, l’émotion du spectateur
Parfois musicalité à la fois des sons et des tableaux visuels sont offerts à l’oeil et à l’oreille des spectateurs et une mise en scène est une véritable partition musicale .
Nous vous proposons pour interroger ce thème des interventions de spécialistes et des chantiers d’expérimentation sans oublier des débats.

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CHANTIERS
• Chantier Improvisations :
de la musicalité à la théâtralité
Vincent Audat - Brigitte Cirla ( Duo Nakasoné)
Le chant nous offre une liberté d'exploration plus vaste que la parole des mots, au sens plus restrictif. D'où, notre choix de langue imaginaire ou empruntée à des phonétiques étrangères. Nous vous proposons quelques pièces musicales témoins de notre voyage.
• Chantier Théâtre Musical
avec la participation de l'équipe de Sextuor de Georges APERGHIS

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COMMUNICATIONS
• La Musique en Représentation
Jean-Pierre Raffaelli
Aujourd’hui, la musique est un des éléments signifiants du théâtre; à ce titre, elle a un rôle spécifique à jouer. Le joue-t-elle ?
Et comment ? Ne le joue-t-elle pas et pourquoi ?
Entre informations et questions, la musique en représentation.
• Théâtre et Musique dans l'Histoire
Robert Fajon
Entre la Comédie ballet de Molière et le théâtre musical d’aujourd’hui en passant par le mélodrame du 19ème siècle, il existe différentes formes d’associations entre théâtre et musique qui nous invitent à étudier l’apport réciproque de ces deux membres d’un couple éternel.
• Texte Claudel-Milhaud : une rencontre essentielle
Gabriel Vialle
Comment Darius Milhaud a-t il répondu aux intuitions de Paul Claudel dans ses musiques pour l’Orestie ?
• Musique de Scène : la commande ?
théâtre /danse/cinéma Jean-Marc Montera
• Le Son, le Sens, le Geste La naissance du Verbe
Guy Reibel
La question à l’origine était la suivante : le son pouvait-il donc entretenir un rapport avec le sens ? Et cette relation prendrait source dans le geste créateur, situé dans un espace à la mesure de l’homme ?

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Tous ces travaux, qui tentent de remonter aux sources du langage, jettent un pont entre les dernières formes d’expression, du chanter au parler, de la Musique au Théâtre.
 

Le théâtre par les yeux du langage • Corps - Image - Mot

Colloque du 3 et 4 Avril 1993 au Théâtre National de Marseille-La Criée

14h15 - 18h45 Le théâtre par les yeux du langage : d’une langue à l’autre (traduction simultanée en langue des signes).

COMMUNICATIONS
• “Les voix du gestuel”
André Meynard - psychologue clinicien - Docteur en Psychologie.
Les sourds parlent par gestes : ils “signent” dit-on…
La clinique enseigne ici de manière incontournable - et bien au delà de la problématique de la surdité - la dimension symbolique du geste humain… .
•“La visibilité du corps et l’invisibilité de la parole” :
Pedro Kadivar - auteur - dramaturge - Paris
Le théâtre donc comme le lieu de la visibilité d’un corps et, à la fois, celui de l’écoute d’une parole, de son invisibilité. Comment un dialogue s’établit entre ces deux matières ?
Le théâtre est peut-être aussi le lieu d’une transfiguration…
Débat
CHANTIERS
• Chantier 1 : Autour d’un spectacle de malentendants
Levent Beskardes -comédien, metteur en scène , poète, peintre.
Né en Turquie, vit et travaille en France depuis 1982. Membre d’I.V.T.
SOLO DE LEVENT (10 minutes, sans interprète)
- 1 poème en langue des signes : “ROUGE”
- 1 histoire visuelle inspirée des contes des Mille et une nuits.
- Improvisation avec le public autour de la L.S.F.
RACINES (10 minutes, présentation avec interprète)
Présentation du scénario d’un spectacle en préparation à partir des recherches d’un historien sourd Horst BIESOLD, sur la politique d’hygiène raciale des nazis à l’égard des sourds
Débat
• Chantier 2 : Lecture/Répétition
Comédienne : Gisèle RENARD
Metteur en scène : Pierre Antoine Villemaine
- Lecture de textes issus des“Ecrits” de Giacometti choisis pour la composition d’un spectacle.
- Mise en espace
- Répétion de quelques séquences.
• Chantier 3 : Performance
Exposition dans le hall du théâtre “Autour de la peinture”.
Patrick Demaille - peintre scénographe.
Corps suspendus. Est-ce une chute, une ascension ? Il ne reste que la peau.

COTE FAUTEUILS
20h30 - 23h : “La Scénographie”
3Avril de 10h à 17h au théâtre de la Criée, animé par Marthe Paoli avec la participation de Marcel Maréchal, Jean Pierre Raffaelli Georges AUTARD...
Matinée: Corps/Image/Mot
Rencontre animée par Mireille Grange (GRETE) et Rosmary Bardini (revue Co Incidences) : Rencontre de poètes, plasticiens, photographes, gens de théâtre, de la danse sur le thème “Corps, image, mot” du point de vue du processus de création avec Anne Astier, Patrick Demaille, Jean-Claude Le Gouic, Tempestant, Bernard Fabvre, Jean-Marie Gleize, Frédérique Guetat-Liviani, Daniel Roth.

Chantier :
Règle du jeu :
“ Que du silence advienne la parole”
coups de dés, prendre une chaise, la déposer sur le scène,
seul avec elle, le temps de votre parole,
témoin de votre passage, elle restera,
un autre vous succédera
et vous la retrouverez pour ce débat..
Chaque intervenant est entré dans le jeu,des correspondances fortes sont apparues entre différents artistes.
Communications-Débats :
" Le Corps, les gestes, les mots, les cinq sens" : Claude Decaillot-
" Corps image mot chez Claudel" : Françoise Chatôt
" Du côté de la critique de théâtre" : Bénito Pellegrin
Lecture à deux voix : Marie Landais & Pierre Antoine Villemaine.
“ Ce sont des voix fragiles qui avec obstination vous indiquent d’autres façons de regarder, de penser, de s’adresser à autrui, d’être ensemble (...) Des voix à l’écoute de leur propre surgissement, qui s’interrogeant sur ce qu’elles sont et par là nous incitent à interroger à notre tour ce qu’est le théâtre”.
Un dossier rassemble les textes de ce colloque.